Jueves 18 de Junio: NYMPHOMANIAC 1

El próximo jueves, 18 de junio, proyectamos en la Casa Municipal de Cultura, dentro de la programación “Cine con Otros Ojos”, “Nymphomaniac 1”, de Lars von Trier, en sesiones de 6 y 8:30 de la tarde, con la localidad a 3´50 euros.

Adjuntamos la sinopsis de la película facilitada por la distribuidora, el comentario de Adriana Antía que editaremos como ficha, y una reproducción del cartel.

Un abrazo, y hasta el jueves. Asociación Otrosojos.

SINOPSIS DE LA PELICULA:

Historia de una ninfómana contada por ella misma. Una fría noche invernal, un viejo solterón encuentra en un callejón a una joven herida y casi inconsciente. Después de recogerla y cuidarla, siente curiosidad por saber cómo pudo haber llegado esa mujer a semejante situación; escucha atentamente el relato que ella hace de su vida, una vida llena de conflictos y turbias relaciones.

COMENTARIO:

Extasis

 
Hace 69 años nació en Copenhague el pequeño Lars. La edad es totalmente circunstancial. Casualidad.

Quizá fue la muerte de su madre, la mala sintonía con su padre o simplemente el frío que hace por allí arriba, pero desde que este visionario comenzó a filmar, no ha dejado de usar el cine como un constante y necesario viaje al interior. Su propia sala de despiece. Egolatría para algunos, profundo conocimiento y autocomprensión para otros. Usa la rebeldía con contundencia, provocación sin medias tintas. Hasta su sangre debe fluir en sentido contrario. Quizá su biografía con manchas de café no ayude y despiste a algunos pero indudablemente y gustos aparte, Lars Von Trier es un CREADOR y sin duda uno de los directores de cine más trascendentes.

Se dice que una depresión casi lo aparta del mundo del cine. Lejos de ello, profundizó y se sirvió para escribir Anticristo (2009) y dar a luz a la que, completando con Melancholia (2011) y Nymphomaniac (2013), sería la llamada “Trilogía de la depresión”. Charlotte Gainsbourg es la actriz guía entre las tres cintas pero también repiten Willem Dafoe, Stellan Skarsgård o Udo Kier. La fragmentación por capítulos, esa lista de la compra bien diseccionada que ordena y recalca las fases emocionales como si de una terapia se tratase, es también punto en común, amén de referencias fotográficas y estéticas.

Hemos de tener en cuenta que con Nymphomaniac nuestra visión será parcial, pues parcial es el montaje que llegó a nuestros cines. El metraje de la película original ronda las cinco horas y media. Tras consideraciones comerciales y de distribución (y quizá morales según países), la cinta fue remontada y dividida en dos volúmenes que apenas completan las cuatro horas y en cuyo proceso el director no participó.

En este primer volumen será la propia Joe (Charlotte Gainsbourg) la nos introduzca en su historia como narradora y nosotros, junto a Seligman (Stellan Skarsgård), escucharemos silentes mientras nos adentramos en un oleaje de pasajes que suman dos y restan uno, que construyen la historia del abismo de la culpa, haciéndonos reír primero. Como si para inducir a la idea, para crear la masa madre de todo ésto, fuera necesario también destruirla y dañarla con frivolidad y golpes de efecto. Y pese a la congoja nos apearemos en Bach, en la pesca con mosca, la iconografía cristiana, o en los nudos marineros… Un acto sexual de principio a fin, una canción con ritmo ascendente. Si culmina o no, dependerá del espectador, a fin de cuentas de eso van las películas con Lars, de posicionarse.

Adriana Antía

Jueves 14 de Mayo: LA VENUS DE LAS PIELES

El próximo jueves, 14 de mayo, proyectamos en la Casa Municipal de Cultura, dentro de la programación “Cine con Otros Ojos”, “La venus de las pieles”, de Roman Polanski, en sesiones de 6 y 8:30 de la tarde, con la localidad a 3´50 euros.

Adjuntamos la sinopsis de la película facilitada por la distribuidora, el comentario de José Francisco Espadas Montero que editaremos como ficha, y una reproducción del cartel.

Un abrazo y hasta el jueves.

SINOPSIS DE LA PELICULA:

Después de un día de audiciones a actrices para la obra que va a presentar, Thomas se lamenta de la mediocridad de las candidatas; ninguna tiene la talla necesaria para el papel principal. En ese momento llega Vanda, un torbellino de energía que encarna todo lo que Thomas detesta: es vulgar, atolondrada y no retrocedería ante nada para obtener el papel. Pero cuando Thomas la deja probar suerte, queda perplejo y cautivado por la metamorfosis que experimenta la mujer: comprende perfectamente el personaje y conoce el guión de memoria.

COMENTARIO:

Puro teatro

No sé exactamente si esta película es teatro dentro del cine o cine dentro del teatro, porque la ambigüedad y el cambio de roles desde los más primarios hasta los más elevados entre la pareja protagonista y siempre siguiendo con bastante fidelidad el texto del austriaco Leopold von Sacher-Masoch (de donde se deriva el término masoquismo) es constante en este largo de Polansky.

Partiendo de la base de que cada vez son menos actores con los que cuenta, cuatro en Un dios salvaje (2011), dos en ésta, de que Polansky siempre ha estado metido en el mundo del teatro dirigiendo desde joven sobre las tablas o realizando adaptaciones para la gran pantalla, de que la película se rodó en las ruinas  del Teatro Hébertot de París aprovechando los decorados de una versión musical de La diligencia (John Ford, 1939), en La venus de las pieles se limita a dirigir con maestría a la que es su propia mujer desde que rodaron juntos Frenético (1988), Emmanuelle Seigner, y a un poco explicable en otras cintas Mathieu Amalric, que aquí vendría a ser como el alter ego del Polanski de El quimérico inquilino (1976).

Estamos ante un brillante tour de force donde se entrelazan sumisión, dominación, sadomasoquismo mental, machismo y misoginia, feminismo, erotismo, con las esencias de amores y odios entre el hombre y la mujer, y un desarrollo que se muestra como un juego psicológico en el que nada es lo que parece y camina hacia un desenlace inesperado (Este párrafo, desde “Filmaffinity”).

La consecuencia del desarrollo de la trama es la asociación que se produce entre dos  mundos mezclándose la relación de los protagonistas hasta igualarse, sin pretenderlo, el mundo real y el imaginario.

Los papeles de los intérpretes se transmutan. La mujer tosca y barriobajera se convierte en una mujer culta, sensual y dominante ante los ojos de un deslumbrado Amalric en el rol de un director de teatro tan intelectual y sexista como clasista, que pasa de dominador a dominado por alguien que consideraba inferior.

Quizá la única pega que la cinta tiene sea que Polansky exige en esta obra un cierto nivel cultural a sus espectadores y que no es una película fácil de digerir. Pero siempre existe la oportunidad de comentar después de su visionado que es de Roman Polansky, que él es así, que a lo mejor, en la siguiente, nos sorprende con un monólogo de tres horas y que ha intentado auto exculparse de sus últimos devaneos.

Pero lo que sí puedo garantizar bajo mi punto de vista, es que ni la película, ni el libro, ni Polansky, tienen desperdicio.

José Francisco Espadas

Jueves 9 de Abril: EL VIENTO SE LEVANTA

El próximo jueves, 9 de abril, proyectamos en la Casa Municipal de Cultura, dentro de la programación “Cine con Otros Ojos”, “El viento se levanta”, de Hayao Miyazaki, en sesiones de 6 y 8:30 de la tarde, con la localidad a 3´50 euros.

Adjuntamos la sinopsis de la película facilitada por la distribuidora, el comentario de Jorge Cordero que editaremos como ficha, y una reproducción del cartel.

Un abrazo, y hasta el jueves.

SINOPSIS DE LA PELICULA:

Jiro, que sueña con volar y diseñar hermosos aviones, se inspira en el famoso diseñador aeronáutico italiano Caproni. Corto de vista desde niño y por ello incapaz de volar, se une a la división aeronáutica de una compañía de ingeniería en 1927. Su genio pronto es reconocido y se convierte en uno de los más prestigiosos diseñadores aeronáuticos. Film biográfico que recrea hechos históricos que marcaron su vida, como el terremoto de Kanto de 1923, la Gran Depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en la Segunda Guerra Mundial.

COMENTARIO :

La despedida del maestro… esta vez va en serio

Desde nuestro inicio hemos ido quemando etapas, introduciendo estilos, géneros y áreas de este arte-industria que amamos. Llegaron documentales, cortos, comedias, dramas sociales, la “temible“ V.O. y finalmente un género que me encanta: la animación. Comenzamos con Persépolis, y ahora damos un nuevo paso con El viento se levanta, que me ofrece la oportunidad de rendir tributo a la despedida del maestro de la animación japonesa contemporánea, Hayao Miyazaki, institución viviente del género.

Y es que en animación/manga existe un antes y un después del Estudio Ghibli, referente que pretendía ser un viento renovador del genero, dando la manija del proceso creativo al autor, permitiéndole elaborar tramas y personajes complejos, personales, sin impositivos y con una calidad grafica y de movimiento al margen de la mera economicidad del proceso productivo. Como solía decir Miyazaki durante el rodaje de La princesa Mononoke, “terminaré esta película aunque lleve a la ruina la empresa”.

En Occidente la opinión general era que el anime era “cosa de niños” hasta que llegaron obras como Akira y Ghost in the Shell. Posteriormente, que consistía en violencia vacua, forma sin contenido, hasta que llegan Miyazaki, Takahata, Kon y rompen con este estereotipo. Miyazaki con La princesa Mononoke y su León de la Berlinale (única película de animación que lo consigue) y el Óscar con El viaje de Chihiro. Su gran amigo y cofundador de Ghibli, Takahata realiza con La tumba de las luciérnagas una de las mas tristemente hermosas películas sobre las consecuencias de la guerra y Kon se adentra en un universo cada vez mas complejo y surreal con películas como Paprika detective de los sueños.

Miyazaki parte del clasicismo y conjuga amplias influencias  orientales y occidentales del manga, la animación y la literatura. Bebe de  clásicos como J. Verne, A. Robira, R.L. Stevenson y J. Swift, pero también del Steampunk retrofuturista y del folclore oriental y occidental. Trasluce  la influencia tanto de Moebius y Shakespeare en el manga inspiración de su primera obra de autor, Nausicaä del Valle del Viento, como de la Odisea en el nombre de la princesa feacia que da nombre a la protagonista.

Pero hablemos ya de su definitiva despedida, porque esta vez va en serio: hace ya tiempo que cortejaba la idea de dejarlo, dado que el esfuerzo que le suponía la producción de una película con horarios de trabajo de 10 a 10 y control absoluto del proceso productivo estaba minando su salud. Pero  la dificultad de encontrar un digno heredero le hizo postergar su retirada (Kon y Kondo parecían ser los destinados, pero sus repentinas muertes trastocaron los planteamientos, y Hosoda  no congenió con su visión de la animación). Lamentablemente su edad y el hecho de estar prácticamente ciego hacen que esta sea su despedida y la del Estudio.

Se despide con una película con guiños personales que  puede resultar  atípica; si bien algunos de sus referentes clásicos permanecen, otros están algo ocultos. Además, algunos de sus planteamientos sacaron sarpullidos en quienes tenían una imagen prefijada de su personalidad. Todos conocemos al Miyazaki ecologista y pacifista que evoluciona desde el Marxismo a renegar del Partido por no compartir su visión rígida de la sociedad. Pero también hemos de observar a quien plantea la vida del diseñador de los aviones Zero en la II Guerra Mundial desde una visión tremendamente humana y contradictoria, obsesionado por crear belleza en un diseño ajustado a su función inconsciente de que sus “obras de arte e ingeniería” se arman y usan para matar.

Una película que parece renunciar al mundo fantástico tan habitual en el autor, pero en la que el mundo onírico se permea continuamente con la realidad creando una interesante mixtura. Un mundo donde algunos de sus arquetipos permanecen claramente y otros son sugeridos: el amor a volar y a los aviones antiguo , el choque entre el mundo antiguo y el moderno… Una película con fondos trabajados  y hermosas imágenes, pero en la que destacan esos rasgos  marcados que recuerdan a los Marco y Heidi de sus orígenes: grandes ojos y rasgos redondeados, aparentemente simples. Regreso al inicio, a la influencia que Astro Boy -del padre de los mangakas, Osamu Tezuka, deudo a su vez del amor a los dibujos de los Fleischer (Betty Boop…)-  tuvo en los posteriores a él.

Jorge Cordero

Jueves 26 de Marzo: SMOKE

El próximo jueves, 26 de marzo, proyectamos en la Casa Municipal de Cultura, dentro de la programación “Cine con Otros Ojos”, “Smoke”, de Wayne Wang, en sesiones de 6 y 8:30 de la tarde, con la localidad a 3´50 euros.

Adjuntamos la sinopsis de la película facilitada por la distribuidora, el comentario de Valentín Terrazas que editaremos como ficha, y una reproducción del cartel.

Un abrazo, y hasta el jueves. Asociación Otrosojos.

SINOPSIS DE LA PELICULA:

Brooklyn, verano de 1987. Algunas personas que frecuentan el estanco de Auggie Wren le confían sus problemas. La rocambolesca historia de cómo consiguió su cámara fotográfica y de por qué se decidió a elaborar su singular colección de fotografías le dará por fin un argumento a Paul Benjamin, un prestigioso novelista que atraviesa una crisis. Por su parte, Paul ayudará a Rashid, un adolescente negro bastante desorientado que busca a su padre.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

COMENTARIO :

Cuento de Navidad

Una mañana de noviembre de 1990, Paul Auster recibió la llamada telefónica de un responsable editorial del New York Times, Mike Levitas, pidiéndole que escribiera un relato que sería publicado en su suplemento especial de Navidad. Auster era ya, por entonces, un autor reconocido internacionalmente por títulos como Jugada de presión, El palacio de la luna o La música del azar. El escritor se comprometió a intentarlo y, durante los siguientes días, se atormentó preguntándose cómo podría cumplir el encargo sin construir un texto preñado de sensiblería, una posibilidad que aborrecía.

            Conforme se acercaba la fecha límite para entregar la narración continuaba sin encontrar un argumento. A punto de renunciar se produjo, sin embargo, un hecho aparentemente casual –cualidad tan característica, por otra parte, de su universo literario-: abrió una lata de Schimmelpennicks, sus puritos preferidos, y aquel gesto le llevó a pensar en el estanquero de Brooklyn que se los vendía, y más tarde -conforme a sus propias palabras- “en la clase de encuentros que uno tiene en Nueva York con personas a las que ve todos los días pero que no conoce realmente”. Acababa de vislumbrar el Cuento de Navidad de Auggie Wren. 

            El 25 de diciembre, el director Wayne Wang (El club de la buena estrella, La caja china, A cualquier otro lugar…) compraba en el supermercado de su barrio, en San Francisco, el último ejemplar disponible del suplemento navideño; por alguna razón, ese día no le habían buzoneado su suscripción al New York Times. Junto a algunos artículos que preludiaban la Guerra del Golfo, encontró el relato. Leyéndolo, se vio –conforme recordaría más tarde- “rápidamente sumergido en un complejo mundo de realidad y ficción, verdades y mentiras, toma y daca”. Tan pronto como llegó a la última línea, preguntó a su mujer: “¿Quién es Paul Auster?”.

            Cinco meses después, y tras haberse empapado en las obras del autor, Wang le visitó en su estudio de Brooklyn para proponerle hacer una película basada en su cuento. Auster, que admiraba el segundo largometraje del cineasta, Dim Sum, aceptó. Como tantos proyectos fílmicos, aquel empeño iba a resultar accidentado: durante cuatro años, el guión se reescribió una y otra vez, incluyendo nuevos protagonistas y tramas, fallaron algunas espectativas de producción, tanto Wang como Auster hubieron de apartarse periódicamente de su labor común para atender otros compromisos profesionales…

            Y un día, el director pudo dictar su orden: “cámara, acción”. Arrancaba Smoke. Para entonces, había reunido a un puñado de actores inmensos: Harvey Keitel, William Hurt, Stockard Channing, Forest Whitaker, los jóvenes Harold Perrineau Jr. y Ashley Judd… Intérpretes en estado de gracia cruzando los destinos de sus personajes en el estanco de la esquina de la Calle 3ª con la 7ª Avenida, rescatándose de pasados dolorosos, evolucionando empujados por hechos supuestamente fortuitos, regalándose dosis magníficas de ternura y compasión, experimentando una y otra vez la fragilidad de la vida. Mostrándonos la lección de cómo puede redimirse la culpa sometiéndose a la disciplina de fotografiar durante cuatro mil mañanas un mismo paraje que es, sin embargo, siempre diferente. Ofreciéndonos el monólogo impagable con el que Keitel, Auggie Wren en pantalla, narra el cuento de navidad más hermoso del mundo.

Valentín Terrazas